Prince non era Solo un Pop Star — Era uno dei più Grandi Chitarristi della Storia

Il mondo lo ricordava come il genio della musica pop, il re dello spettacolo, l’autore di Purple Rain e Kiss. Ma dietro i costumi e le luci c’era qualcosa che il grande pubblico non ha mai visto abbastanza chiaramente: uno dei chitarristi più completi, più tecnici e più emotivamente profondi che il rock abbia mai prodotto

C’è un momento che i chitarristi di tutto il mondo conoscono a memoria. È il 18 marzo 2004, al Rock and Roll Hall of Fame di New York. Si sta eseguendo una versione di While My Guitar Gently Weeps di George Harrison — con Tom Petty, Steve Winwood, Jeff Lynne e altri sul palco. È una performance rispettosa, ben eseguita, tecnicamente corretta. E poi, a tre minuti e quaranta secondi dall’inizio, entra Prince.

Quello che accade nei due minuti successivi è uno degli episodi più discussi e più ammirati della storia della chitarra rock dal vivo. Prince prende il testimone dell’assolo con una nota singola — quasi timida, quasi un punto interrogativo — e poi costruisce, in tempo reale, davanti a milioni di spettatori, uno degli assoli più completi e più emotivamente devastanti che siano mai stati eseguiti su un palco. Veloce quando deve essere veloce, lento quando deve essere lento, tecnico quando la musica lo richiede, lirico quando l’emozione lo esige. Alla fine lancia la chitarra in aria — senza guardarla, senza preoccuparsi di dove sarebbe atterrata — e sparisce dal palco.

Eric Clapton era lì. Tom Petty era lì. Steve Winwood era lì. Tutti hanno guardato Prince suonare con la stessa espressione: incredulità mista a reverenza. Era la reazione di grandi chitarristi di fronte a qualcuno che stava suonando ad un livello che non si aspettavano — che forse non avevano mai visto in quell’esatta combinazione di tecnica, feeling e presenza scenica.

Eppure il grande pubblico continuava — e continua — a pensare a Prince principalmente come a un pop star. Come all’autore di Purple Rain, all’icona della sessualità androgina, al genio della produzione musicale. La chitarra era lì, era evidente, era spesso al centro delle sue performance più intense. Ma veniva oscurata dall’immagine, dalla personalità, dalla vastità di un talento che si esprimeva in troppe direzioni simultaneamente per essere facilmente categorizzato.

Questo articolo è il tentativo di correggere quella distorsione. Di raccontare Prince come chitarrista — con la stessa attenzione e la stessa profondità con cui si raccontano Hendrix, Clapton, Page. Perché lo merita. Perché la storia della chitarra rock non è completa senza di lui.

Minneapolis, 1958: le radici musicali di un prodigio

Prince Rogers Nelson nacque il 7 giugno 1958 a Minneapolis, Minnesota, figlio di John Lewis Nelson — pianista jazz che suonava sotto il nome d’arte Prince Rogers — e di Mattie Della Shaw, cantante. Il nome era un omaggio diretto al padre e alla sua band: Prince Rogers era il nome del gruppo con cui il padre aveva cercato, senza grande successo, di costruire una carriera musicale.

Minneapolis non era Nashville, non era New York, non era Los Angeles — non era uno dei centri tradizionali della musica americana. Era una città del Midwest, prevalentemente bianca, con una scena musicale vivace ma periferica rispetto ai grandi circuiti dell’industria discografica. Crescere lì — come musicista nero in una città prevalentemente bianca, con influenze che spaziavano dal funk di James Brown al rock di Jimi Hendrix, dal jazz del padre al gospel della chiesa — significava sviluppare un’identità musicale ibrida, non riconducibile a nessuna delle categorie consolidate.

Questa ibridità fu la sua forza. Prince non era un bluesman, non era un funker, non era un rocker — era tutte queste cose insieme, in una sintesi così personale da risultare inclassificabile. E la chitarra — lo strumento con cui questa sintesi si esprimeva in modo più immediato e più fisico — era il centro di tutto.

Da bambino Prince imparò da solo a suonare la chitarra, il piano, la batteria e quasi ogni altro strumento che gli capitasse tra le mani. Non frequentò conservatori, non prese lezioni sistematiche. Imparò per imitazione e per ossessione — ascoltando dischi, copiando frasi, sperimentando da solo per ore. Era il metodo dei grandi autodidatti della musica americana — lo stesso metodo di Hendrix, di B.B. King, di Chuck Berry — applicato con una velocità e una profondità di apprendimento fuori dal comune.

Le influenze: Hendrix, Santana e il jazz del padre

Le influenze chitarristiche di Prince sono dichiarate, documentate e perfettamente leggibili nel suo suono. La più importante — quella che emerge con più evidenza in quasi ogni assolo che abbia mai suonato — era Jimi Hendrix.

Prince aveva scoperto Hendrix da adolescente e ne rimase folgorato in modo permanente. Non si trattava di imitazione superficiale — Prince non copiava le frasi di Hendrix, non replicava il suo stile in modo riconoscibile. Si trattava di qualcosa di più profondo: l’assorbimento di una filosofia chitarristica, di un modo di pensare allo strumento come a una voce capace di esprimere qualsiasi emozione, di usare il feedback e gli effetti come estensioni del linguaggio melodico invece che come ornamenti tecnici.

Come Hendrix, Prince pensava alla chitarra in termini orchestrali — come uno strumento capace di suonare simultaneamente il basso, il ritmo e la melodia, di riempire lo spazio musicale con una completezza che normalmente richiedeva più strumentisti. Come Hendrix, usava il whammy bar non come trovata scenografica ma come strumento espressivo integrato nel fraseggio melodico. Come Hendrix, suonava con una fisicità e una presenza corporea che rendevano la performance chitarristica un atto quasi rituale.

Carlos Santana fu la seconda grande influenza chitarristica dichiarata. Prince amava il sustain di Santana — quella qualità quasi infinita della nota tenuta, quella capacità di far cantare lo strumento con la stessa naturalezza di una voce umana. L’influenza di Santana si sente particolarmente nelle ballate più intense di Prince — in Purple Rain, in The Beautiful Ones, in certi momenti di Adore — dove la chitarra non urla ma sussurra, con quella qualità meditativa e quasi spirituale che è la firma più profonda del chitarrista messicano-americano.

Il jazz del padre — quella presenza costante nell’ambiente domestico della sua infanzia — aggiunse una dimensione armonica alla sua formazione chitarristica che lo distingueva dalla maggior parte dei chitarristi rock della sua generazione. Prince capiva gli accordi estesi, le sostituzioni armoniche, le progressioni modali che erano il linguaggio del jazz moderno. Questa comprensione armonica avanzata si sentiva non solo nelle sue composizioni — ricche di accordi di settima, di nona, di undicesima che erano inusuali nel contesto del pop e del funk commerciale — ma anche nelle sue improvvisazioni, che si muovevano attraverso le progressioni armoniche con una libertà e una sofisticazione tipiche del jazz piuttosto che del rock.

La tecnica: velocità, feeling e controllo assoluto

Analizzare la tecnica chitarristica di Prince è un esercizio che rivela strati di complessità che la sua immagine pubblica tendeva a nascondere. Non era il tipo di chitarrista che esibiva la propria tecnica — non faceva scale veloci in modo ostentato, non cercava di stupire con la difficoltà apparente di quello che suonava. Suonava in modo che la tecnica diventasse invisibile, al servizio totale dell’emozione e della comunicazione.

Ma la tecnica era là — solidissima, versatile, capace di adattarsi a qualsiasi contesto stilistico con la stessa naturalezza.

Il suo picking era potente e preciso, con un attacco che aveva una qualità percussiva — simile a quello di Stevie Ray Vaughan, che Prince ammirava — capace di estrarre dallo strumento un suono pieno e presente anche senza distorsione pesante. Usava il plettro con una forza e una sicurezza che rendevano ogni nota definita, presente, inequivocabile.

I suoi bend erano eseguiti con una precisione intonativa straordinaria — sempre esattamente sulla nota di arrivo, mai sopra né sotto — e con una qualità espressiva che ricordava B.B. King nella sua capacità di caricare una nota stirata di significato emotivo. Non erano bend decorativi: erano il punto culminante di frasi costruite con cura, il momento in cui la tensione melodica trovava la propria risoluzione.

Il vibrato — ampio, lento quando il contesto emotivo lo richiedeva, più veloce e nervoso nei momenti di maggiore intensità — aveva quella qualità vocale che i grandi chitarristi blues avevano sviluppato cercando di replicare le inflessioni della voce umana. Era un vibrato che suonava come pianto o come gioia, come preghiera o come sfida, a seconda del contesto in cui appariva.

La sua capacità di muoversi tra stili diversi — dal blues più grezzo al funk più sincopato, dal rock più aggressivo alla ballata più delicata — senza mai perdere la propria identità sonora era forse la qualità tecnica più impressionante. Prince suonava blues come se fosse cresciuto nel Mississippi. Suonava funk come se James Brown fosse stato il suo insegnante. Suonava rock come se Hendrix fosse il suo fratello maggiore. E in ogni contesto suonava inequivocabilmente come Prince — una firma sonora così forte da sopravvivere a qualsiasi cambiamento di stile o di contesto.

Purple Rain: l’assolo che il mondo conosceva ma non capiva

Purple Rain — la title track dell’album e del film del 1984 — contiene forse l’assolo di chitarra più ascoltato della carriera di Prince, e uno dei più incompresi. Il grande pubblico lo ascoltava come il climax emotivo di una ballata pop straziante. I chitarristi lo ascoltavano come qualcosa di diverso: un documento tecnico straordinario, costruito con una cura e una consapevolezza che andavano ben oltre le esigenze commerciali del brano.

L’assolo è costruito su una progressione di accordi relativamente semplice — la stessa del resto del brano — ma il modo in cui Prince la naviga rivela una comprensione armonica profonda. Le sue frasi si muovono attraverso le tensioni armoniche degli accordi con una fluidità che tradisce anni di ascolto del jazz e del blues più sofisticato. I bend sono eseguiti con una precisione e una carica emotiva che ricordano Gilmour nella qualità del feeling e Hendrix nella fisicità dell’approccio.

Il climax dell’assolo — quando le frasi si fanno più urgenti, più alte nel registro, con vibrati sempre più intensi — è costruito con la stessa logica narrativa dei grandi assoli classici: tensione che sale, climax che arriva quando deve arrivare, risoluzione che lascia l’ascoltatore in uno stato di sospensione emotiva.

Era pop nel contesto. Era grande chitarra nella sostanza.

Il Rock and Roll Hall of Fame: la rivelazione pubblica

Se Purple Rain era l’assolo che il grande pubblico conosceva, l’esibizione al Rock and Roll Hall of Fame del 2004 fu il momento in cui i chitarristi di tutto il mondo capirono definitivamente con chi avevano a che fare.

La versione di While My Guitar Gently Weeps — scritta da George Harrison, suonata quella sera con Tom Petty, Steve Winwood, Jeff Lynne e Dhani Harrison — era un tributo rispettoso a un grande brano di un grande compositore. Prince non aveva nessun obbligo di fare qualcosa di straordinario. Poteva suonare un assolo decoroso, applaudire con gli altri, sparire nei titoli di coda.

Invece suonò uno degli assoli più completi che siano mai stati eseguiti in pubblico.

L’assolo comincia con una singola nota — quasi esitante, quasi interrogativa — e poi cresce con una logica narrativa impeccabile. Prince costruisce tensione con frasi sempre più lunghe e sempre più intense, alterna velocità fulminee a note singole tenute con un vibrato devastante, usa il whammy bar con la stessa naturalezza con cui Hendrix lo usava — come estensione del linguaggio melodico, non come trovata scenografica. Il climax è fisicamente presente: si sente nell’aria, nel pubblico che reagisce, negli altri musicisti sul palco che si girano a guardare.

E poi la chitarra lanciata in aria. Senza guardare dove cadeva. Come se lo strumento non servisse più — come se tutto quello che aveva da dire fosse già stato detto.

Tom Petty ha dichiarato in seguito che fu uno degli episodi musicali più straordinari a cui avesse mai assistito dal vivo. Era Tom Petty — non un musicista facile da impressionare.

Lo strumento: la Cloud Guitar e il suono di Prince

Prince ebbe un rapporto profondo e personale con i propri strumenti — come ogni grande chitarrista. Il suo strumento più iconico fu la Cloud Guitar — una chitarra dalla forma asimmetrica e sinuosa, con le spalle arrotondate e un corpo che sembrava disegnato da un sogno — costruita per lui dal liutaio Dave Rusan nel 1983, in tempo per le riprese del film Purple Rain.

La Cloud Guitar era uno strumento personalissimo — non solo nella forma, ma nelle specifiche tecniche. Era dotata di pickup che Prince selezionava e modificava nel corso degli anni, con un’attenzione alla qualità del suono che tradiva un orecchio musicale di straordinaria sensibilità. Il colore — bianco nella versione originale, poi declinato in diverse varianti negli anni successivi — era parte integrante dell’immagine, della teatralità, del linguaggio visivo che Prince aveva costruito attorno alla propria musica.

Ma Prince non era legato a un solo strumento. Suonava Gibson, Fender, Hohner — qualsiasi chitarra gli capitasse tra le mani, con risultati sempre riconoscibili. Era uno di quei chitarristi il cui suono veniva prima dallo strumento — dalle dita, dalla mente, dall’anima — che dal legno e dai pickup. Come B.B. King, come Hendrix, come Clapton: il suono era suo, indipendentemente dallo strumento.

L’eredità: il chitarrista che il mondo non ha ancora finito di capire

Prince morì il 21 aprile 2016, a cinquantasette anni, per un’overdose accidentale di fentanyl. La notizia provocò un’ondata di cordoglio globale — per il compositore, per l’icona pop, per l’artista totale che aveva definito un’intera era della musica popolare americana.

La chitarra fu menzionata, naturalmente. Ma fu menzionata come una delle tante cose che Prince sapeva fare — non come la cosa che forse sapeva fare meglio di tutti, o almeno meglio di quanto il grande pubblico avesse mai capito.

Questa incomprensione ha radici profonde. Prince era troppo versatile, troppo multidimensionale, troppo difficile da categorizzare per essere visto attraverso una sola lente. Era impossibile ridurlo a “grande chitarrista” senza perdere tutto il resto — e il resto era enorme, abbagliante, difficile da ignorare.

Ma i chitarristi lo sapevano. Eric Clapton lo sapeva. Carlos Santana lo sapeva. Steve Vai — che ha dichiarato Prince tra i più grandi chitarristi che avesse mai sentito — lo sapeva. Tom Petty lo sapeva, dopo quella sera al Rock and Roll Hall of Fame.

Prince non era un chitarrista che suonava anche pop. Era un chitarrista straordinario che accadeva di essere anche un compositore di genio, un produttore rivoluzionario, un performer senza eguali, un’icona culturale globale.

La chitarra era il centro. Tutto il resto era orbita.

E quella chitarra lanciata in aria nel 2004 — senza guardare dove cadeva, perché non importava più — è ancora, a distanza di vent’anni, una delle immagini più potenti che la storia della chitarra rock abbia mai prodotto.

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