La Chitarra nel Reggae: Guida all’Ascolto attraverso i suoi Maestri

Da Ernest Ranglin a Bob Marley, da Chinna Smith ai chitarristi invisibili che hanno costruito il suono di Kingston: una guida per capire, riconoscere e amare la chitarra reggae attraverso i musicisti che l’hanno definita

C’è un suono che attraversa i decenni senza invecchiare. Un suono che hai sentito mille volte senza forse sapere come si chiama tecnicamente, senza sapere chi lo suona, senza sapere da dove viene. È quel colpo di chitarra sul controtempo — preciso, tagliente, quasi percussivo — che definisce il reggae in modo così immediato e così fisico da essere riconoscibile prima ancora che il cervello abbia elaborato quello che le orecchie stanno ascoltando.

Si chiama skank. Ed è una delle tecniche chitarristiche più difficili da padroneggiare e più facili da amare della storia della musica popolare.

Ma il reggae non è solo skank. È un universo sonoro ricco e sfaccettato, in cui la chitarra svolge ruoli diversi a seconda del contesto — ritmica pura, melodica, solistica, quasi orchestrale in certi arrangiamenti — e in cui alcuni chitarristi hanno sviluppato linguaggi personali di una profondità e di una originalità che il grande pubblico internazionale non ha ancora pienamente riconosciuto.

Questa guida è il tentativo di colmare quella lacuna. Di raccontare la chitarra reggae attraverso i musicisti che l’hanno definita — con l’attenzione e il rispetto che meritano.

Lo skank: il cuore ritmico del reggae

Prima di parlare dei chitarristi, vale la pena spiegare cosa rende la chitarra reggae tecnicamente unica — perché quella specificità tecnica è il contesto in cui ogni chitarrista reggae ha sviluppato il proprio linguaggio.

Il reggae è costruito su un’inversione ritmica fondamentale rispetto alla musica rock e blues occidentale. Nel rock, l’accento cade sui tempi forti — il primo e il terzo beat della misura. Nel reggae, l’accento cade sui tempi deboli — il secondo e il quarto beat, quelli che nella musica occidentale vengono normalmente considerati “leggeri”. Questa inversione — che ha radici nella tradizione musicale africana e nel mento giamaicano — crea quella sensazione di sospensione, di movimento ondulatorio, che è la firma fisica del reggae.

La chitarra reggae — lo skank — esegue accordi brevi e percussivi su questi tempi deboli, con un tocco morbido e immediato che produce un suono quasi staccato, quasi pizzicato. Non è un accordo tenuto: è un colpo, un gesto, una punteggiatura ritmica che dialoga con il basso — profondo, dominante, spesso melodicamente elaborato — e con la batteria in un intreccio di grande complessità ritmica sotto una superficie che sembra semplice.

Eseguire lo skank con precisione — con il timing esatto, con la dinamica giusta, con quella qualità quasi meccanica ma mai robotica che caratterizza i grandi chitarristi reggae — richiede anni di pratica e una comprensione del groove che va molto oltre la tecnica pura. È una questione di feeling prima ancora che di dita.

Ernest Ranglin: il padre fondatore

Ernest Ranglin — nato il 19 giugno 1932 a Robin’s Hall, Manchester Parish, Giamaica — è il chitarrista che più di ogni altro ha posto le fondamenta della chitarra reggae moderna. Non è un nome che il grande pubblico internazionale conosce — nonostante una carriera di settant’anni e un’influenza incalcolabile sulla musica giamaicana e mondiale — ma ogni chitarrista che abbia mai suonato reggae, ska o rocksteady deve qualcosa al suo linguaggio.

Ranglin cominciò la propria carriera nel jazz — studiando lo strumento da autodidatta, assorbendo l’influenza dei grandi chitarristi americani attraverso i dischi che circolavano a Kingston negli anni Cinquanta — e portò nel nascente ska giamaicano una comprensione armonica e una fluidità melodica che erano inusuali nel contesto della musica popolare dell’isola. Era un musicista di formazione jazz che trovava nel ritmo sincopato dello ska un terreno naturale per la propria sensibilità musicale.

La sua tecnica chitarristica era — ed è ancora, a oltre novant’anni — di una precisione e di una musicalità straordinarie. Il suo skank aveva una qualità particolare: non era mai meccanico, mai robotico, sempre animato da una lieve irregolarità umana che lo rendeva vivo e respirante invece che metronomico. Era quella qualità — il groove come organismo vivente invece che come meccanismo perfetto — che definisce la differenza tra un grande chitarrista reggae e un semplice esecutore.

Ranglin suonò su alcune delle registrazioni più importanti della storia della musica giamaicana — tra cui il singolo My Boy Lollipop di Millie Small nel 1964, uno dei primi successi internazionali della musica giamaicana — e collaborò con Chris Blackwell e la Island Records nei primi anni della sua esistenza, contribuendo a portare la musica giamaicana all’attenzione del mercato internazionale prima ancora che Bob Marley lo facesse in modo definitivo.

La sua carriera solistica — in particolare gli album prodotti per la Palm Pictures negli anni Novanta e Duemila, come Memories of Barber Booth e Surfin’ — mostrano un chitarrista di straordinaria completezza: capace di muoversi con uguale autorevolezza nel jazz, nel reggae, nel mento e nella musica tradizionale giamaicana, sempre con quella qualità di calore e di presenza che è la sua firma più profonda.

Bob Marley: la chitarra al servizio della canzone

Bob Marley non era un chitarrista virtuoso nel senso tecnico del termine. Non faceva assoli spettacolari, non cercava il virtuosismo fine a se stesso, non suonava con la complessità armonica di Ranglin o con la velocità dei grandi chitarristi rock della sua epoca. Suonava in modo che la canzone fosse al centro — e in questo, paradossalmente, era uno dei chitarristi più avanzati del suo tempo.

La sua chitarra — quasi sempre una Gibson Les Paul Custom nera, poi sostituita da una Ovation in certi periodi — aveva un ruolo specifico nell’economia sonora dei Wailers: riempire lo spazio tra il basso di Aston Barrett e la voce, aggiungere colore armonico allo skank ritmico, creare quella texture sonora densa e avvolgente che è la firma dei grandi album reggae degli anni Settanta.

Ma il contributo di Marley alla chitarra reggae non è principalmente tecnico: è compositivo. Le progressioni di accordi che costruiva per le proprie canzoni — No Woman No Cry, Redemption Song, Three Little Birds, Is This Love — erano di una semplicità apparente che nascondeva una comprensione profonda dell’armonia e della relazione tra melodia e accompagnamento. Ogni accordo era al posto giusto, con il voicing giusto, nel momento giusto. Non una nota di troppo.

Redemption Song — suonata con una chitarra acustica, senza basso, senza batteria, senza lo skank reggae — è forse il documento più puro della sua comprensione chitarristica: una canzone costruita su sei accordi e una voce, con una qualità di necessità assoluta che fa sì che ogni elemento sembri impossibile da togliere o da spostare. Era la filosofia di Mark Knopfler applicata al reggae: non suonare più di quello che la canzone richiede. Suonare esattamente quello che la canzone richiede.

Chinna Smith: il guardiano della tradizione

Donald Dennis Smith — universalmente conosciuto come Chinna Smith — è forse il meno celebre a livello internazionale tra i chitarristi di questa guida, ma è quello che i musicisti giamaicani considerano il più importante custode e continuatore della tradizione chitarristica roots reggae.

Nato nel 1954 a Kingston, Chinna Smith cominciò la propria carriera negli anni Settanta come session guitarist — il chitarrista che tutti i produttori di Kingston chiamavano quando volevano che una registrazione suonasse nel modo giusto. Suonò su centinaia di album, con artisti che vanno da Peter Tosh a Burning Spear, da Bunny Wailer a Toots and the Maytals. Era l’architetto invisibile del suono roots reggae degli anni Settanta — presente in quasi ogni registrazione importante del periodo, raramente citato nelle note di copertina.

La sua tecnica — sviluppata nell’ambiente intensivo delle session di Kingston, dove i musicisti dovevano essere veloci, precisi e capaci di adattarsi a qualsiasi contesto — era di una versatilità straordinaria. Poteva suonare uno skank perfettamente calibrato con la stessa naturalezza con cui eseguiva linee melodiche elaborate o parti ritmiche complesse. Era un chitarrista totale — capace di fare tutto quello che la musica richiedeva, sempre al servizio del brano invece che della propria ego artistica.

Il suo contributo più originale fu forse la capacità di integrare elementi della musica Nyahbinghi — la musica rituale dei Rastafari, basata su tamburi e canti tradizionali africani — nel linguaggio della chitarra roots reggae, creando un suono che aveva radici più profonde e più autentiche di quanto il reggae commerciale dell’epoca spesso raggiungesse.

Chinna Smith è ancora attivo — insegna chitarra reggae ai giovani musicisti giamaicani, suona in concert, continua a registrare. È uno dei tesori viventi della musica giamaicana — e uno dei chitarristi che ogni appassionato di reggae dovrebbe conoscere prima di considerarsi davvero informato sul genere.

I chitarristi invisibili: Junior Marvin e Al Anderson

Nessuna guida alla chitarra reggae sarebbe completa senza menzionare i due chitarristi che completarono la formazione classica dei Wailers negli anni più produttivi della carriera di Bob Marley: Junior Marvin e Al Anderson.

Al Anderson — americano, di formazione rock e blues — fu il primo chitarrista esterno alla formazione originale dei Wailers, portando nell’ensemble un approccio solistico influenzato dal rock che si integrò sorprendentemente bene con il reggae roots dei Wailers. I suoi assoli — presenti in brani come Natty Dread e Rastaman Vibration — erano costruiti su un linguaggio blues che dialogava con il reggae senza mai tradirlo, aggiungendo una dimensione solistica che la formazione originale non aveva sviluppato in modo sistematico.

Junior Marvin — britannico, di origine giamaicana, con una formazione che includeva collaborazioni con Ike and Tina Turner e Steve Winwood — portò nei Wailers una tecnica solistica ancora più sviluppata, con assoli costruiti su un linguaggio che mescolava blues, funk e reggae in modo naturale e convincente. Il suo lavoro in Exodus e Kaya — i due album più importanti del periodo tardo dei Wailers — è tra i documenti più completi della chitarra solistica nel contesto del reggae roots.

Come ascoltare la chitarra reggae

Ascoltare la chitarra reggae in modo consapevole richiede un cambio di prospettiva rispetto all’ascolto del rock o del blues. La chitarra reggae non cerca di emergere — cerca di integrarsi, di diventare parte di un tessuto ritmico e armonico in cui ogni elemento ha la stessa importanza. Per sentirla davvero, bisogna smettere di cercare il solista e cominciare ad ascoltare il groove.

Alcuni dischi essenziali per questo percorso di ascolto: Catch a Fire dei Wailers — con quelle overdub di chitarra rock aggiunte da Chris Blackwell per il mercato internazionale che dialogano con il reggae originale in modo affascinante. Burning Spear: Marcus Garvey — con le parti di chitarra di Chinna Smith che sono il cuore pulsante di ogni brano. Ernest Ranglin: Memories of Barber Booth — con un chitarrista jazz di settant’anni che suona reggae come se lo avesse inventato lui. Perché, in un certo senso, lo aveva fatto.

La chitarra reggae non urla. Mormora, pulsa, respira.

E chi sa ascoltare la sente riempire ogni spazio.

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